Weltbild mit Bär, 2026, Aquarell, 26 x 36 cm
Der Bär als Bildwesen
Dieses Aquarell erscheint zunächst wie eine heitere Bildfläche aus Zeichen, Comicfragmenten und farbigen Inseln. Doch je länger der Blick verweilt, desto deutlicher wird, dass hier keine harmlose Szenerie vorliegt, sondern ein komplexes „Weltbild“: eine Versuchsanordnung darüber, wie Wirklichkeit durch Bilder überhaupt erst entsteht.
Der Bär ist darin nicht bloß Figur, sondern Zentrum einer visuellen Anthropologie – eine emblematische Kreatur zwischen Maskottchen, Totemtier und melancholischem Subjekt.
Die Komposition zerfällt in einzelne Bildzonen, die sich nicht zu einer linearen Erzählung zusammenschließen. Vielmehr wirken sie wie simultane Bewusstseinsräume: Landschaft, Ornament, Tierkopf, abstrakte Zeichen, Miniaturbild und Farbfeld existieren nebeneinander, ohne hierarchische Ordnung. Gerade dadurch entsteht jene eigentümliche Schwebe zwischen Nähe und Fremdheit, die viele Arbeiten meiner Serie „Bildwelten“ kennzeichnet.
Der Bärenkopf dominiert das Zentrum links. Seine Form ist stark reduziert, beinahe piktogrammartig: kreisrunde Ohren, schwarze Augenpunkte, markante Brauen. Das Gesicht erinnert zugleich an Kinderbuchillustrationen, Pop-Art-Figuren und archaische Stammesmasken. Doch trotz der Vereinfachung besitzt der Blick etwas Unruhiges. Die dunklen Brauen verleihen der Figur einen Ausdruck zwischen Skepsis, Traurigkeit und konzentrierter Aufmerksamkeit. Der Bär schaut nicht einfach aus dem Bild heraus – er scheint selbst auf die Bildwelt zu blicken, in die er eingeschlossen ist.
Gerade darin liegt die philosophische Pointe des Werkes: Das Tier "an sich" wird zum Träger eines Weltverhältnisses. Es erscheint als Naturwesen und als Bildwesen. Der Bär ist bereits kulturell codiert, medial geformt, ein Produkt kollektiver Imaginationen ("Problembär", "Bärli" etc.)
Fragmente einer zersplitterten Welt
Um den Bären herum entfaltet sich eine fragmentierte Topographie. Links oben öffnet sich ein angedeuteter Landschaftsraum mit grün-blauen Formen, die an Wälder, Wasser oder ferne Hügel denken lassen. Doch diese Natur bleibt unbestimmt; sie ist keine reale Landschaft, sondern Erinnerung an Landschaft – eine Chiffre des Außen. Daneben erscheint ein grüner Vogelkopf oder Fischkörper mit einem einzigen kreisförmigen Auge. Dieses Wesen wirkt wie ein hybrides Zeichen aus Traum, Cartoon und prähistorischer Höhlenmalerei.
Im Zentrum rechts liegt ein bläuliches Feld mit zwei dunklen Kreisen. Diese Form erinnert zugleich an ein Gesicht, eine Maske, einen Stein, ein technisches Display oder eine abstrakte Wasserbewegung. Die Ambivalenz bleibt bewusst offen. Das Aquarell verweigert die endgültige Identifikation der Dinge. Alles bleibt im Zustand des Übergangs. Formen entstehen und lösen sich wieder auf.
Rechts außen erscheint ein kleines Rechteck wie ein Bild im Bild – fast ein Fenster oder ein Fernsehschirm. Gelbe, schwarze und weiße Streifen verdichten sich dort zu einer miniaturisierten Landschaft oder zu einem codierten Signal. Dieses kleine Binnenbild wirkt wie eine Reflexion über die Malerei selbst: Welt erscheint hier immer schon gerahmt, reduziert und reproduziert.
Farbe, Zeichen und Traumlogik
Überhaupt arbeitet das gesamte Aquarell mit der Spannung zwischen Unmittelbarkeit und Konstruktion. Die fließenden Aquarellfarben erzeugen spontane Übergänge und atmosphärische Offenheit, während die schwarzen Konturen einzelne Formen fixieren und comicartig stabilisieren. So begegnen sich zwei gegensätzliche Bildprinzipien: das freie Fließen der Farbe und die kontrollierende Macht des Zeichens.
Auch farblich entfaltet das Werk eine eigentümliche Psychologie. Das warme Gelb des Bären wirkt freundlich und alarmierend zugleich; das Blau im rechten Teil öffnet Tiefe und Distanz; die violetten und braunen Flächen schaffen Zonen der Erdung und Schwere. Dazwischen erscheinen eruptive rote Spuren wie emotionale Störungen innerhalb der Komposition. Die Farbe beschreibt hier keine Gegenstände mehr, sondern Zustände des Sehens.
Das Aquarell besitzt dadurch einen fast traumartigen Charakter. Es funktioniert wie ein inneres Tableau, in dem Fragmente unterschiedlicher Wirklichkeiten aufeinandertreffen: Naturbild, Kindheitsästhetik, Medienzeichen, abstrakte Malerei und Tierikonographie. Nichts wird endgültig entschieden. Gerade diese Offenheit erzeugt den Reiz des Werkes.
Tanz der Zeichen, 2026, Aquarell, 26 x 36 cm
Worldview with Bear, 2026, watercolor, 26 x 36 cm
The Bear as an Iconic Being
At first glance, this watercolor appears to be a cheerful visual composition of symbols, comic book fragments, and colorful islands. But the longer the gaze lingers, the clearer it becomes that this is not a harmless scene, but a complex “worldview”: an experimental arrangement exploring how reality is created through images in the first place.
The bear is not merely a figure here, but the center of a visual anthropology—an emblematic creature somewhere between a mascot, a totem animal, and a melancholic subject.
The composition breaks down into individual pictorial zones that do not coalesce into a linear narrative. Rather, they appear as simultaneous spaces of consciousness: landscape, ornament, animal head, abstract symbols, miniature image, and color field exist side by side, without hierarchical order. It is precisely this that creates that peculiar liminality between familiarity and strangeness that characterizes many works in my series “Bildwelten”.
The bear’s head dominates the center on the left. Its form is highly reduced, almost pictogram-like: circular ears, black dot eyes, striking eyebrows. The face is simultaneously reminiscent of children’s book illustrations, Pop Art figures, and archaic tribal masks. Yet despite the simplification, the gaze possesses a certain restlessness. The dark brows lend the figure an expression somewhere between skepticism, sadness, and concentrated attention. The bear does not simply look out of the picture—he seems to be looking into the pictorial world in which he is enclosed.
It is precisely here that the philosophical punchline of the work lies: the animal “in itself” becomes the bearer of a relationship to the world. It appears as a creature of nature and as a creature of imagery. The bear is already culturally coded, shaped by the media, a product of collective imaginations (“problem bear,” “little bear,” etc.)
Fragments of a Fragmented World
A fragmented topography unfolds around the bear. In the upper left, a suggested landscape opens up with green-blue forms that evoke forests, water, or distant hills. Yet this nature remains indeterminate; it is not a real landscape, but a memory of landscape—a cipher of the outside. Next to it appears a green bird’s head or fish’s body with a single circular eye. This creature appears as a hybrid symbol drawn from dreams, cartoons, and prehistoric cave paintings.
In the center right lies a bluish field with two dark circles. This form simultaneously evokes a face, a mask, a stone, a technical display, or an abstract movement of water. The ambivalence is deliberately left open. The watercolor refuses to allow for a definitive identification of the objects. Everything remains in a state of transition. Forms emerge and dissolve again.
On the far right, a small rectangle appears like a picture within a picture—almost a window or a television screen. Yellow, black, and white stripes condense there into a miniaturized landscape or a coded signal. This small internal image seems like a reflection on painting itself: the world appears here always already framed, reduced, and reproduced.
Color, Sign, and the Logic of Dreams
Indeed, the entire watercolor works with the tension between immediacy and construction. The flowing watercolors create spontaneous transitions and an atmospheric openness, while the black contours fix individual forms and stabilize them in a comic-like manner. Thus, two opposing pictorial principles meet: the free flow of color and the controlling power of the sign.
In terms of color, too, the work unfolds a peculiar psychology. The warm yellow of the bear appears friendly and alarming at the same time; the blue in the right section opens up depth and distance; the violet and brown areas create zones of grounding and heaviness. In between, eruptive red traces appear like emotional disturbances within the composition. Here, color no longer describes objects, but states of seeing.
This gives the watercolor an almost dreamlike character. It functions as an inner tableau in which fragments of different realities collide: nature imagery, childhood aesthetics, media symbols, abstract painting, and animal iconography. Nothing is definitively decided. It is precisely this openness that creates the work’s appeal.
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